Comment retrouver le son « naturel » d’un violon acoustique avec un violon électrique ?

Pourquoi le son « naturel » d’un instrument de musique disparaît dès qu’on utilise un pickup ?

Dès lors que vous jouez du violon électrique ou bien que votre violon acoustique est doté d’un pickup ou d’une cellule piézo pour être amplifié, vous allez avoir un son sec et direct. Si vous ne savez pas ce qu’est un pickup, votre lecture devrait débuter par ici : qu’est-ce qu’un pickup ?
La capture du son par des pickups magnétiques ou piézo-électriques entraînent obligatoirement un changement dans la production sonore de votre instrument de musique que celui-ci soit acoustique ou électrique.

Dans le cas d’un instrument de musique acoustique comme le violon ou le violoncelle classique, l’instrumentiste ne peut voir seul la différence dans la production sonore. En effet, la caisse de résonance de son instrument de musique acoustique n’a pas disparu, son oreille reste très proche de celle-ci et le son qu’il entend est identique. Cependant, le son amplifié entendu par l’audience est tout autre. En amplifiant votre instrument à l’aide d’un système de pickup, le public ne bénéficie plus du son naturel amplifié par la caisse de résonance, mais d’un son amplifié passant par une chaîne sonore électrique. Sans apporter la moindre modification au son produit par le pickup, le résultat est souvent fade.

Dans le cas du violon électrique, le son produit passe toujours par un pickup et un système d’amplification. Sans modification, il est lui aussi direct et sec. Il nécessite l’ajout de quelques effets pour lui donner de la présence.

Comprendre l’origine du son dit « naturel »

Le son est qualifié de « naturel » par les musiciens car il respecte le principe du son voyageant dans l’air jusqu’à être entendu par notre ouïe. L’être humain entend tout son après qu’il est voyagé dans l’air. C’est cette caractéristique qui nous donne la sensation d’entendre un son « naturel ».

Le son est une onde créée par des vibrations mécaniques d’un objet. Dans le cas de la musique, les vibrations mécaniques sont produites par l’instrument de musique. Les vibrations se propagent dans des directions grâce à des déformations élastiques. La vitesse de déplacement du son dépend du milieu dans lequel il est propagé. Par exemple, lorsqu’il est dans l’air, le son se déplace à une vitesse de 344 mètres par seconde. Dans l’eau, le son se propage beaucoup plus rapidement ; il atteint les 1482 mètres par seconde.

Dans le système éducatif, on explique ce phénomène en le comparant aux vagues qui se créent lorsqu’on jette une pierre dans l’eau. En touchant l’eau, une série de vague est générée et se propage dans toutes les directions autour du point d’impact de la pierre. Ces vagues représentent les ondes sonores détectables par notre ouïe. La pierre est l’instrument de musique à l’origine de la génération des ondes. Plus on est proche du point d’impact, plus les vagues sont présentes, plus le son est fort. À l’inverse, plus on s’éloigne de la source à l’origine du son, moins le son sera fort car la propagation des ondes s’affaiblit petit à petit jusqu’à s’arrêter. La propagation du son est modifiée par l’environnement qui l’entoure, par exemple tout obstacle ralentissant les ondes ou les réverbérant dans de nouvelles directions.

C’est cet univers environnemental qu’il faut essayer de recréer à l’aide de différents outils pour parvenir à retrouver le son « naturel » de votre instrument de musique.

Quels sont les outils adaptés ?

L’égaliseur

L’EQ est un outil permettant de traiter le signal audio. Il filtre ou accentue des fréquences qui sont catégorisées dans des bandes regroupant les médiums, les basses et les hauts, parfois elles-mêmes sous-catégorisées.

Votre égaliseur doit cibler les fréquences produites par votre instrument de musique. Ci-dessous les fréquences minimales et maximales à viser pour la famille des instruments à cordes frottées.

L’égaliseur permet de maîtriser la plupart des difficultés rencontrées par les joueurs d’un instrument à archet comme le bruit produit par le frottement des crins de l’archet sur les cordes, un son trop nasillard ou manquant de corps, etc.

Pour le bruit de frottements créés par l’archet, il faut l’identifier dans la bande de fréquences pour le limiter. Un son trop nasillard est souvent dû à des fréquences hautes trop présentes. Un son manquant de corps a besoin d’être boosté en accentuant la présence de fréquences importantes.

Libre à vous de trouver le juste milieu d’égalisation. Selon votre instrument, son pickup mais aussi votre façon de jouer, les réglages vont être différents. Il n’y a pas de véritables règles à suivre si ce n’est de faire confiance à votre ouïe et à votre instinct. Visez quelque chose qui vous ressemble ! En faisant quelques tests, vous identifierez rapidement les fréquences à booster ou à limiter.

Les fichiers Impulse Response

Ces fichiers vont révolutionner votre son ! De notre point de vue, ils restent aujourd’hui le meilleur moyen pour se rapprocher d’un son « naturel ».

Les fichiers Impulse Response ou de réponses impulsionnelles sont des fichiers informatiques audio contenant une captation sonore selon des caractéristiques environnementales d’un espace, d’un appareil (amplificateur, microphone, etc.) ou d’un instrument de musique. Pour en savoir plus sur l’Impulse Response et sur la façon dont sont créés ces fichiers, nous vous recommandons de lire cet article : Comment créer le son d’un instrument acoustique avec un instrument électrique à l’aide de l’Impulse Response ?

Ces fichiers doivent être chargés dans une pédale dédiée, dans un processeur multi-effets ou un logiciel audio. Les caractéristiques environnementales sonores contenues dans le fichier vont être appliquées à tout signal audio.

Avec l’Impulse Response, vous pouvez capturer la représentation du son « naturel » de tout violon acoustique, puis l’utiliser avec un violon électrique ou avec votre violon acoustique amplifié à l’aide d’un pickup.

La reverb

La reverb ou réverbération est un effet dont l’objectif est de simuler la réverbération sonore d’un son dans un espace.

Lorsqu’un son est émis par une source, il se répercute sur les éléments composant son environnement comme un mur ou une montagne. La répercussion du son contre ces éléments disposés aléatoirement autour de la source est appelée la réverbération.

Notre ouïe perçoit constamment de la réverbération sonore, car chaque lieu dans lequel nous nous trouvons possède sa propre réverbération. Cette perception du son sonne naturelle pour nous. La plupart des logiciels proposent des reverbes reliés à des noms communs de lieux comme cathédrale, petite ou grande pièce (room), hall, etc. Sans réverbération du son, le son paraît direct, sec, sans vie. C’est exactement ce qu’on ressent en écoutant un instrument électrique sans effet ou le son brut d’un instrument acoustique capté par un pickup. Sans ajout de reverb, leur son est brut et ne paraît pas du tout « naturel ».

Quelle puissance de reverb adoptée ?

Il y a plusieurs possibilités. Vous pouvez cibler la puissance naturelle de votre instrument. Généralement, il est préférable de la pousser au-delà de cette puissance naturelle pour donner plus de prestance. Vous pouvez aussi simuler la réverbération d’une pièce dans laquelle vous ne vous trouvez pas en émulant un espace. Ce type d’émulation est proposé par exemple par un processeur multi-effets, un logiciel ou une pédale à effet.

Le delay

Le delay ou délai est un retard qui s’applique au signal audio. Il représente l’écho entendu lorsque vous criez entre deux montagnes. Le delay insère de la distance entre la source sonore et l’ouïe de l’auditeur. Cette distance peut être grande d’où la sensation d’un écho sonore, ou courte ce qui la rend presque indétectable. Dans le cadre naturel de votre instrument de musique, le delay est plutôt court.

Le compresseur

Les compresseurs affectent la dynamique des instruments de musique. Ils réduisent la différence entre le volume le plus haut et le volume le plus bas d’un signal audio. Si l’instrument de musique dépasse un certain seuil défini de volume, le compresseur l’auto-gère instantanément en le réduisant d’une certaine valeur. Il augmente aussi le volume des notes les plus faibles. C’est souvent ce paramètre qui est mis en avant par les guitaristes, car l’augmentation des notes les plus faibles ajoute du sustain en faisant ressortir des détails sonores.

L’intérêt du compresseur est de garder une présence continue que vous appliquiez une forte ou faible pression avec l’archet. Attention à ne pas trop le pousser ! Trop présent, le compresseur génère un son nasillard et distordu.

Le compresseur se base sur 4 facteurs :

• • le seuil ou threshold

Il définit le niveau à partir duquel on va compresser le signal audio.

• • le ratio

Il définit le niveau de compression en dB qui s’applique lorsque le seuil est dépassé.

• • l’attaque ou attack

L’attaque désigne le temps que met la compression à se lancer.

• • le release

Le release, appelé parfois sustain sur certains modèles, correspond au temps que met la compression à disparaître.

Certains musiciens remplacent le compresseur par un petit à effet de saturation. C’est tout à fait possible, car finalement le rôle d’un compresseur consiste en une petite saturation comme une distorsion ou un overdrive. Du moment que ces effets de saturation ne sont pas trop poussés dans la saturation, le schéma applicatif, et donc le résultat, sont identiques.

Avec ces 5 outils, vous pouvez viser l’obtention d’un son dit « naturel » pour votre instrument.

Images et sources : Yoann Boyer, Sebbi Strauch – Unsplash, 3Dvarius, Daniela Padrón, Amanda Smith