Qu’est-ce que le chop ?
De nos jours, être violoniste ou violoncelliste ne consiste pas seulement à bien sonner en tant que soliste, mais aussi à être en symbiose parfaite avec les autres musiciens. C’est là que la technique du chop entre en jeu. Le chop est une approche rythmique et percussive qui a révolutionné la façon dont les instruments à cordes frottées contribuent aujourd’hui à la musique moderne. Il ajoute du groove et de la présence instrumentale à chaque performance. Peu importe que vous soyez violoniste, altiste ou violoncelliste : la technique du chop peut multiplier l’apport de votre instrument au sein de votre formation musicale et rendre votre musique plus passionnante !
Dans cet article, nous allons découvrir la technique du chop. Savez-vous d’où vient le chop ? Comment a-t-il évolué au fil des années ? Et, surtout, apprenez à l’utiliser pour briller lors de vos concerts. Si vous êtes prêt à ajouter un peu de rythme et de groove à votre technique, le chop est fait pour vous ! 🎻✨
L’origine du chop
Les origines de la technique du chop sont profondément enracinées dans le genre musical du bluegrass. C’est un style de musique caractérisé par ses rythmes énergiques instrumentaux ou chantés, et ses mélodies enivrantes. La technique du chop a cependant été conçue bien avant de devenir un phénomène musical.
Richard Greene : le pionnier du chop
Richard Greene, figure visionnaire du bluegrass, a joué un rôle central dans l’introduction de la technique du chop. Il y a plus d’un demi-siècle, Richard Greene s’était donné pour mission d’améliorer les possibilités rythmiques de son jeu au violon, rompant ainsi avec les techniques traditionnelles d’archet. Tout comme Mac Magaha (un autre violoniste de bluegrass), il voulait ajouter du rythme à son jeu. Il a trouvé un moyen de faire en sorte que ses cordes frappent les notes d’une manière dynamique et rythmée. Cette découverte allait changer la musique pour toujours.
Richard Greene avait commencé à explorer le potentiel du chop avec son groupe de rock Seatrain auquel il apportait une petite touche dramatique à l’aide de son violon. En 1966, lorsque Richard Greene a rejoint le groupe de bluegrass de Bill Monroe, il a voulu améliorer les possibilités d’accompagnement du violon au sein de cette formation. En grattant des accords de manière répétitive ou en faisant des doubles stops lors de performances, il a réalisé la nécessité d’une nouvelle approche pour maintenir l’intérêt du public. Ainsi, Richard Greene a commencé à expérimenter des coups d’archet sur les cordes de son violon, créant le chop. Richard Greene a nommé cette technique « le chop » en s’inspirant de la technique rythmique de Bill Monroe lorsqu’il jouait de la mandoline.
Au fil du temps, la technique innovante de Richard Greene a non seulement gagné en reconnaissance, mais a également commencé à créer des répercussions dans le monde de la musique. Il a attiré l’attention de son ami violoniste Darol Anger en 1974, qui non seulement s’est immergé dans les enseignements de Richard Greene, mais s’est également lancé dans l’élargissement et l’amélioration de cette nouvelle approche.
L’émancipation du chop
Le chop comme outil d’ensemble
Pour Darol Anger, la technique du chop a tout changé dans son approche du jeu au violon. Son expérimentation autour du chop commence en 1971 lorsqu’il rencontre Richard Greene. Intrigué par le fort potentiel de cette technique, Darol Anger a suivi une leçon auprès de Richard Greene, devenant ainsi le premier élève du chop. Jouant souvent dans des groupes sans percussion traditionnelle, Darol Anger a trouvé que le chop était une méthode polyvalente pour créer des rythmes et des harmonies à l’aide d’un violon. Ce n’était pas seulement une technique solo pour lui ; c’est devenu un outil d’ensemble qui a enrichi sa musique et le potentiel de ses groupes de musique.
Le Turtle Island String Quartet
En 1984, la création du Turtle Island String Quartet (TISQ) marque une étape importante dans l’évolution du chop. En collaboration avec d’autres musiciens, dont le violoniste David Balakrishnan, Darol Anger a développé un système de notation rudimentaire pour les arrangements du quartet.
Ce système de notation s’alignait sur les idées de Richard Greene, permettant au quatuor de créer efficacement des grilles rythmiques complexes. Le chop a permis au TISQ de transmettre l’énergie d’un groupe contemporain complet, avec batterie, guitare, basse et solistes improvisateurs. C’est ainsi que Mark Summer, le violoncelliste du quatuor, a promu le chop auprès des violoncellistes en élargissant les possibilités rythmiques du violoncelle. Le chop a ainsi pris de l’ampleur au sein de la communauté des violoncellistes.
Au-delà du bluegrass : un nouveau vocabulaire musical
L’engagement de Darol Anger à promouvoir et partager la technique du chop ne s’est pas arrêté là. Darol Anger a enseigné cette technique à des virtuoses en herbe, notamment des violonistes de premier plan comme Brittany et Natalie Haas, Alex Hargreaves ou encore Billy Contreras. En 1996, et en collaboration avec Casey Driessen et Rushad Eggleston, il a enregistré une première vidéo pédagogique sur le chop. Cette vidéo est devenue une référence mondiale, influençant les musiciens du monde entier. Natalie Haas a elle aussi apporté sa pierre à l’édifice en étendant l’influence du chop à la musique celtique.
L’évolution de la technique du chop
La technique du chop a continué d’évoluer au fur et à mesure que des musiciens ont adopté ses nouvelles possibilités rythmiques. Dans leur quête de performances captivantes et dynamiques, ils ont découvert que le violon pouvait apporter une vraie base rythmique comme peut le faire une batterie dans un groupe. Cette prise de conscience a multiplié les utilisations de la technique dans les genres musicaux. Le chop a permis aux violonistes de contribuer activement à la structure rythmique globale d’un morceau.
L’élargissement des possibilités du chop avec Tracy Silverman
Tracy Silverman est un violoniste qui a contribué de manière significative à l’évolution du chop. Il faisait partie du Turtle Island String Quartet. Réputé pour son style de jeu innovant, il a imaginé la méthode « StrumBowing ». Elle a révolutionné l’approche consistant à incorporer des chops dans le jeu du violon. Son approche englobe un large éventail de techniques d’archet, de grilles rythmiques et de méthodes progressives pour obtenir une large palette d’effets rythmiques et harmoniques. Grâce à sa contribution, le chop a transcendé ses origines bluegrass et a trouvé sa légitimité dans d’autres genres musicaux.
La redéfinition du chop par Casey Driessen
La créativité musicale naît souvent de rebondissements inattendus, et l’apport de Casey Driessen dans les techniques d’archet percussif en est un témoignage. Son utilisation du chop a laissé une marque indélébile sur le monde des instruments à cordes frottées.
Une approche musicale créative
Les débuts de Casey Driessen dans l’art des techniques percussives réalisées à l’archet ont commencé à son adolescence grâce à une technique qu’il a surnommé le « chunk ». Il s’agissait de produire un son rythmique à double stops sur les 2ème et 4ème temps. Le « chunk » était inspiré de différentes techniques de la mandoline utilisées dans le bluegrass. C’était une solution créative pour pallier l’absence de mandoline dans son groupe Minor Bluegrass.
Alors qu’il s’immergeait dans son jeu rythmique d’archet, il a par inadvertance mélangé la technique classique des doubles cordes (appelée aussi le double shuffle en anglais) avec sa technique de « chunk », créant ainsi un vocabulaire musical entièrement nouveau. Cette fusion expérimentale des deux techniques a jeté les bases de son exploration du jeu rythmique à l’archet.
Plus tard, Casey Driessen a rencontré Darol Anger et son travail révolutionnaire avec le Turtle Island String Quartet. Il a réalisé que son approche avait déjà été explorée par d’autres musiciens. Ses conversations avec Darol Anger lors de l’événement String Fling en 1995 marquent un tournant, modifiant la trajectoire de l’approche rythmique de Casey Driessen.
Dès lors, son langage musical s’est articulé autour du chop. Il s’est plongé dans la technique du chop en collaborant avec des musiciens de R&B et de funk avec pour objectif de transposer leurs grooves sur son instrument à cordes frottées. Il a incorporé le chop dans toutes ses performances solo, inventant même le « triple chop ». Au fil du temps, il a intégré de nouveaux éléments comme des mouvements de grattage des cordes, élargissant encore un peu plus la palette rythmique de cette technique.
Notation et normalisation
L’engagement de Casey Driessen à perfectionner la technique l’a conduit à la création de son propre système de notation. En collaboration avec Oriol Saña, violoniste espagnol, ils ont codifié et standardisé la notation, garantissant ainsi que le chop puisse être partagé et compris au sein de la communauté musicale.
Leurs efforts ont trouvé un allié chez Berklee Press et une équipe de professeurs qui ont standardisé la notation du chop à travers diverses ressources pour instruments à cordes frottées. L’histoire de Driessen et de la technique du chop mettent en lumière le continuum créatif qui régit l’évolution musicale. Ce parcours depuis la découverte du « chop » et du « chunk » jusqu’à la création d’une notation standardisée souligne la nature dynamique de l’innovation musicale et son pouvoir de remodeler les traditions.
Nous remercions Casey Driessen pour avoir partagé ses idées dans son livre. Pour en savoir plus, visitez le site web de Casey Driessen.
Apprendre la technique du chop
Que vous soyez violoniste, altiste ou violoncelliste, la technique du chop offre une dimension rythmique, percussive et harmonique à votre jeu. Pour tirer le meilleur parti de cette technique, approfondissons quelques aspects fondamentaux. Vous trouverez ici quelques conseils de base sur la façon de tenir et de manier votre archet ainsi que les bases du « chunk ».
Tenue et équilibre de l’archet
Tenue de l’archet :
La façon dont vous tenez votre archet est le point de départ. Vous pouvez opter pour une tenue traditionnelle – pouce entre la mèche de crins et la baguette à l’avant du hausse – ou essayer le pouce sous la hausse. Choisissez une seule approche pour assurer des transitions fluides entre le jeu traditionnel à l’archet et le jeu basé sur le chop. Utilisez votre 4ème doigt pour obtenir l’équilibre nécessaire à votre jeu.
Inclinaison de l’archet
Dans le chop, l’inclinaison de votre archet compte. Votre archet peut être perpendiculaire aux cordes ou légèrement incliné. Les deux méthodes ont des qualités tonales uniques, mais pour la précision sonore, préférez la tenue perpendiculaire.
Placement et emplacement des crins
Positionnement des crins sur les cordes
Ajustez l’angle de votre archet en le faisant légèrement rouler avec votre pouce. Il faut placer les crins à plat sur les cordes ou vers la touche. Cela améliore la stabilité et le contrôle lors du chop.
Emplacement utile des crins pour le chop
Le chop s’effectue en utilisant les crins sur la longueur du talon de l’archet (depuis le départ du crin au niveau de la hausse jusqu’à la fin de la poucette). Au-delà de ce point, le contrôle diminue affectant la précision et la qualité sonore.
Êtes-vous prêt à découvrir la technique du chop et à vous imprégner de sa magie rythmique ? Explorez les méthodes de tenue, d’angle et de positionnement de l’archet dans notre vidéo éditée spécialement pour les débutants ! Exploitez tout le potentiel de votre instrument à cordes avec le chop ! 🎶
Conclusion
La technique du chop a transformé le monde des instruments à cordes frottées. Elle a offert une nouvelle perspective sur l’expression rythmique et la créativité musicale à l’aide de ces instruments. En parcourant les origines, l’évolution et les contributions innovantes de musiciens, nous avons pu constater à quel point le chop a élargi ses horizons. La technique s’est inscrite dans de nouveaux genres musicaux et a transformé certaines traditions musicales.
Images et sources : Casey Driessen, Tracy Silverman, Richard Greene, Eduardo Bortolotti, le Turtle Island String Quartet, YouTube
