Comment trouver sa place dans un groupe en tant que violoniste
Il est parfois difficile pour un violoniste de trouver sa place dans un groupe de musiques actuelles. Rassurez-vous, c’est avant tout une question d’audace et de pratique. Alors, lançons-nous !
Nous allons aborder les différents aspects qui déterminent votre place dans un groupe : les questions techniques, votre positionnement sur scène, vos interventions musicales et même votre posture.
Soyez autonome et sociable
Connaissez votre matériel
Vous êtes musicien, violoniste, chanteur, etc. Et à moins que votre groupe ne dispose de ses propres techniciens de scène, vous devez être capable d’installer, de brancher et de régler votre matériel vous-même !
Sans ces connaissances, vous ne vous en sortirez pas. Vous ne pouvez pas compter sur le guitariste, l’ingénieur du son ou le bassiste pour installer votre équipement !
Nous avons rédigé des dizaines d’articles sur ce sujet. Voici quelques pistes :
- Se brancher sur scène
- Choisir et positionner son retour de scène
- Utiliser des retours intra-auriculaires
Connaître son matériel est la base pour réussir ses concerts. Vous devez savoir régler et configurer chaque appareil pour que votre prestation se déroule bien le jour J.
Vous devez également savoir réagir rapidement en cas de problème ! Si votre violon se désaccorde entre deux morceaux, utilisez rapidement votre accordeur pour le réaccorder, en coupant le son afin que le public ne vous entende pas. Si des grésillements apparaissent soudainement dans votre son, analysez le problème pour en identifier la cause, puis faites le nécessaire pour le résoudre.
Pour communiquer efficacement avec les autres musiciens, et surtout avec l’ingénieur du son, il est également important de connaître le vocabulaire technique de la scène. Vous n’avez pas besoin de comprendre précisément le fonctionnement d’une DI, mais si l’on vous demande si vous en avez besoin, vous devez savoir de quoi il s’agit ! Autre exemple : vous devez savoir si votre configuration délivre un son mono ou stéréo.
Votre autonomie vous fera progresser et vous permettra de vous sentir plus à l’aise en sachant gérer ces situations vous-même.
Communiquez, partagez et prenez du plaisir
Si vous ne vous entendez pas avec les autres membres du groupe, jouer deviendra rapidement une corvée et vous perdrez l’envie de participer. La bonne entente est essentielle à votre bien-être et à l’image que vous renvoyez sur scène. Si vous ne communiquez pas entre vous, le public ressentira vite ce manque de cohésion.
Cet aspect concerne aussi le plaisir de jouer. Si vous n’appréciez plus le répertoire du groupe, avez l’impression de faire la même chose depuis des années ou ne parvenez plus à vous renouveler, c’est peut-être que vous avez fait le tour de cette expérience et qu’il est temps de rejoindre un nouveau groupe !
La musique ne doit pas devenir un supplice : vous devez vous amuser et prendre du plaisir sur scène.
Trouvez votre place dans le mix
Travaillez le son de votre violon
Avant de trouver votre place dans le mix du groupe, vous devez obtenir un son de qualité qui vous correspond. Cette première étape passe par le réglage de votre violon, de votre amplificateur, de vos pédales d’effets et de vos autres appareils.
Nous avons déjà abordé ces sujets dans plusieurs articles. Voici quelques pistes pour affiner vos réglages en toute autonomie.
- Créer un son clair
- Améliorer le son de son violon
- Créer des chaînes d’effets
Travaillez avec l’ingénieur du son sur la place du violon dans le mix général
Lorsqu’un ingénieur du son prépare le mix général d’un concert, il recherche les meilleurs réglages pour que chaque instrument trouve sa place dans le son envoyé au public. Les instruments ne doivent pas couvrir le chant, les solos de violon doivent être audibles, la rythmique de la basse doit être présente, etc.
Il doit veiller à ce que l’ensemble soit propre, audible, sans larsen et cohérent avec le style du groupe. Un mix dépend du groupe, des personnes et des instruments qui le composent. Les réglages d’un concert de metal sont totalement différents de ceux d’un concert de country !
Pour le violon, l’ingénieur du son veille notamment à ce qu’il ne gêne pas le chant. Les fréquences du violon recoupent en partie celles de la voix. Il peut donc en atténuer certaines pour éviter que le violon ne couvre le chanteur. Il vérifie ensuite que le violon n’empiète pas sur les fréquences d’un autre instrument, et inversement.
Trouvez votre place musicale : soliste ou accompagnateur
Le violon est un instrument qui peut remplir deux rôles : celui de soliste, comme dans Cotton Eye Joe de Rednex, et celui d’instrument d’accompagnement, comme dans J’t’emmène au vent de Louise Attaque, sauf à une minute, où il devient soliste.
Que le seul, et probablement unique, violoniste français à qui l’on n’a jamais demandé « S’il te plaît, joue-moi J’t’emmène au vent » lève la main ! 🙂
Revenons aux bases de ces deux rôles, qui impliquent des façons de jouer différentes.
Un soliste est un interprète qui joue seul une partie musicale, au sein d’un ensemble ou de manière isolée.
Le soliste se distingue donc du musicien qui interprète une partie musicale collectivement. Dans ce cas, le musicien accompagne le soliste, d’où son rôle d’instrument d’accompagnement.
Cependant, un violoniste peut remplir les deux rôles au sein d’un même morceau. Il peut jouer un solo de quelques secondes au milieu du titre et assurer l’accompagnement le reste du temps.
Comment se positionner musicalement en tant que violoniste soliste ?
Deux cas se présentent : un morceau instrumental ou un morceau chanté. Dans un morceau instrumental, vous allez jouer la ou les mélodies principales. Dans un morceau chanté, vous allez prendre la place du chant à certains moments du morceau. Cela arrive généralement dans l’introduction, pendant un solo instrumental, et parfois dans le refrain ou le pont. Vous devez être bien présent lors des solos. Vous pouvez également glisser de courtes interventions entre les phrases du chanteur pour enrichir son interprétation.
C’est exactement le même rôle qu’un guitariste soliste, mais au violon ! Dès la première note, votre jeu doit être marquant et clair pour prendre le relais du chant au bon moment. Un violoniste soliste doit savoir jouer des mélodies qui correspondent aux accords du morceau. Très souvent, les violonistes font appel à leurs capacités d’improvisation. Si vous n’êtes pas à l’aise avec l’improvisation, mieux vaut préparer votre partie et vous y tenir. Voici un exemple avec ce solo de Volt W. Jingjit dans une reprise de I Shot the Sheriff de Bob Marley.
Son attitude est intéressante à analyser. Comme nous le connaissons très bien, nous pouvons confirmer que ce solo est entièrement improvisé et différent à chaque interprétation. Volt improvise dès qu’il en a l’occasion. Vous remarquerez qu’il suit d’abord la mélodie, puis insère des passages improvisés. Peu à peu, il se laisse emporter par la musique et le rythme, comme s’il jouait seul au milieu des autres. Observez aussi le moment où il annonce à ses partenaires, d’un regard et d’un signe de tête, qu’il va quitter son rôle de soliste pour revenir au déroulement habituel du morceau. Cela montre que les autres musiciens ne savent pas à l’avance quand il rendra la main au chanteur.
C’est à ce moment-là que vous pouvez utiliser des effets, classiques ou très originaux, comme la distorsion ou la wah-wah ! L’objectif est de varier votre jeu et d’attirer l’attention du public sur votre interprétation.
Attention, être violoniste soliste ne signifie pas occuper ce rôle pendant tout le morceau. Vous devez respecter la place du chanteur ! Souvent, vous ne devenez soliste que quelques secondes avant de lui rendre la main. Il est également important de limiter vos interventions à la place du chant : vous ne devez pas éclipser le chanteur.
En tant que soliste, vous devez vous démarquer clairement, alors ne vous cachez pas ! N’hésitez pas à vous déplacer et à occuper l’espace lorsque c’est possible.
À l’inverse, lorsque le chant est présent ou reprend sa place dans le morceau, vous ne devez pas le gêner. Apprenez à respecter votre temps de mise en avant. Lorsqu’il est terminé, mettez-vous en retrait en attendant votre prochaine intervention.
Comment se positionner musicalement en tant qu’instrument d’accompagnement ?
La plupart du temps, les instruments d’accompagnement jouent ensemble et entourent musicalement le soliste, qui est souvent le chanteur.
En tant qu’instrument d’accompagnement, le violon joue le même rôle qu’une guitare ou un piano : créer l’harmonie sur laquelle le chant va se poser.
Pour cela, le violoniste peut employer plusieurs techniques. Si vous êtes le seul violoniste sur scène et assurez ce rôle d’accompagnement, vous pouvez :
- Jouer des doubles ou triples cordes
- Jouer des rythmes en pizzicato sur plusieurs cordes, comme sur une guitare
- Utiliser un harmoniseur pour simuler plusieurs instruments
Vous devrez être précis sur le plan rythmique et harmonique, en lien avec la section rythmique, basse et batterie, tout en restant au service du chant.
Sur scène, si vous êtes accompagnateur, rapprochez-vous de la section rythmique pour être parfaitement en phase avec elle.
Démarquez-vous sur scène
Vous êtes peut-être introverti dans la vie, mais sur scène, vous devrez sortir de votre réserve et vous montrer. Si vous êtes timide, rassurez-vous : vous n’êtes ni le premier ni le dernier. Travaillez votre présence scénique sans vous forcer à faire des choses qui ne vous conviennent pas ! Tout est une question d’équilibre.
Il n’est pas rare de voir un musicien très timide dans la vie se déchaîner sur scène ! Vous pouvez y incarner quelqu’un de différent de votre personnalité quotidienne. L’essentiel est d’oser essayer plusieurs approches au moins une fois pour voir si elles vous conviennent.
Pour vous démarquer sur scène, expérimentez différentes postures et différents gestes avec votre instrument ou votre corps.
Souriez
Commençons par le sourire. Cela peut sembler évident, mais sourire est la première chose à mettre en pratique. Certains musiciens sont tellement stressés ou concentrés sur leur jeu qu’ils oublient de sourire. Si vous faites la tête en jouant, personne dans le public ne vous regardera !
Nous ne pouvons pas vous apprendre à sourire, mais si vous êtes à l’aise et prenez du plaisir sur scène, cela viendra naturellement.
Le sourire compte aussi sur les photos et vidéos du concert. Si vous ne souriez pas, vous risquez de ne pas apparaître dans la vidéo et les photos seront inutilisables.
Deuxième point : le regard !
En musique classique, on ne cherche généralement pas le regard d’une personne dans le public : ce n’est pas dans les codes de cet univers. En revanche, en musiques actuelles, profitez des échanges de regards avec le public, les autres musiciens et même les caméras. Nous connaissons tous ce genre de geste : rappelez-vous ce petit clin d’œil à la caméra après un solo mémorable !
Regarder le public permet de créer un lien avec lui. Les spectateurs se sentent impliqués dans vos gestes et dans votre prestation. Si les regarder dans les yeux vous met mal à l’aise, regardez leur front. Leur regard ne vous déstabilisera pas et ils auront l’impression que vous les regardez dans les yeux ! Cette astuce fonctionne à tous les coups !
Sur les grandes scènes très éclairées, vous ne verrez peut-être pas le public, ou seulement les premiers rangs et les spectateurs dans la fosse. Ce n’est pas grave ! Regardez un peu plus loin en imaginant quelqu’un. Il y a bien des spectateurs, sauf si la salle est vide, et ils ne savent pas que vous ne les voyez pas. Regardez donc dans leur direction, peut-être avec moins d’insistance, mais en pensant réellement à les inclure dans votre prestation.
Avec les autres musiciens, vous utilisez sans doute déjà le regard pour vous caler sur le rythme du batteur ou convenir avec le chanteur du début de votre solo.
Avec les caméras, c’est l’assurance d’apparaître dans la vidéo du concert ! Les réalisateurs et monteurs adorent ces moments. Vous ne vous contentez pas de jouer : vous participez au spectacle filmé, créez un lien avec la caméra à travers l’objectif et donnez vie à votre prestation. Attention toutefois à ne pas en abuser. Un regard trop fréquent vers la caméra devient pesant et perd son intérêt. Inutile de le faire à chaque morceau : le réalisateur ne le retiendra que deux ou trois fois par concert et cherchera, si possible, à répartir ces moments entre les musiciens.
Avec un photographe, vous pouvez prendre une pose particulière, mais là encore, sans en faire trop. Les meilleures photos sont souvent celles où le sujet a oublié la présence du photographe !
Votre langage corporel
Vous ne pouvez pas rester raide comme un piquet sans bouger. Vous jouez de la pop, de la country, du rock ou un autre style conçu pour faire danser ! Alors, vous ne pouvez pas rester immobile.
Vous n’avez pas besoin de vous déhancher pendant tout le concert ! Mais vous devez montrer que vous ressentez physiquement ce que vous jouez, par votre visage ou toute autre partie du corps ! Voici un exemple avec la gestuelle très personnelle de Matt Bell lorsqu’il joue du violon électrique !
C’est ce que l’on appelle la communication non verbale : les expressions du visage et les postures corporelles que vous adoptez dans une situation donnée.
Interagissez aussi avec les autres musiciens. Nous avons évoqué les regards, mais vous pouvez également jouer, danser ou rire avec eux ! Toute interaction, visuelle ou physique, est positive. Elle vous rend humain et montre votre complicité. Les mouvements peuvent être préparés ou spontanés : dans les deux cas, ils donnent vie à votre prestation.
Restez toutefois cohérent avec le morceau et en phase avec les autres musiciens. Vous aurez l’air décalé si vous restez immobile alors qu’ils sont emportés par le rythme, mais tout autant si vous sautez partout alors qu’ils sont très calmes.
Occupez l’espace
Si votre instrument vous laisse libre de vos mouvements, déplacez-vous et occupez l’espace ! Pendant un solo de violon, ne restez pas au fond près du batteur : avancez vers le public pour qu’il puisse vous voir. Prévoyez toujours une longueur de câble suffisante, bien déroulée et prête à vous suivre ! Le plus simple est d’utiliser un système sans fil conçu pour les instruments de musique.
Pendant les balances, vérifiez la longueur de câble nécessaire ou la portée utilisable de votre système sans fil. Assurez-vous également de toujours vous entendre en vous déplaçant. Si vous sortez de la zone couverte par votre retour, un autre retour, celui du chanteur ou d’un musicien, doit vous permettre de vous entendre. Ce problème ne se pose évidemment pas si vous utilisez des retours intra-auriculaires.
En tant que guitariste ou violoniste, vous avez la chance de pouvoir vous déplacer avec votre instrument : profitez-en pour vous démarquer ! Et souvenez-vous que, le jour où le batteur pourra se déplacer avec sa batterie, il prendra votre place, car il en a toujours rêvé !
En vous déplaçant, vous pouvez soutenir le chanteur, rejoindre un autre musicien pour une séquence ou venir à l’avant de la scène lorsque vous prenez la main. Une fois le morceau ou le solo terminé, pensez à regagner votre place !
Sur scène, chaque musicien dispose de son propre espace. Sa taille dépend de ses besoins : retour, pédales d’effets, espace nécessaire pour jouer, nombre d’instruments, etc. Certaines scènes sont petites et laissent peu de place pour se déplacer. Cherchez alors le meilleur compromis pour que chacun soit à l’aise. Adaptez également vos mouvements et votre positionnement afin de ne pas gêner votre voisin.
À l’inverse, certaines scènes sont trop grandes pour quelques musiciens et paraissent vides. Redéfinissez l’espace scénique en vous rapprochant les uns des autres plutôt qu’en vous plaçant à cinq mètres de distance. Si vous êtes regroupés et que le reste de la scène est vide, le public comprendra que le spectacle se concentre là où vous êtes. Il oubliera les zones inutilisées pour porter son attention sur vous.
