El storytelling en la música: contar para conectar
¿Qué es el storytelling?
El storytelling consiste en contar una historia para comunicar mejor.
En el ámbito comercial, se trata de construir un relato en torno a un producto en lugar de destacar directamente sus características. Así se capta la atención del consumidor sin bombardearlo con argumentos de venta. La publicidad ha insistido tanto en vender «el mejor detergente del mundo» que el público ha dejado de prestar atención. El storytelling busca, en cambio, establecer una conexión emocional con él.
Aunque es una técnica habitual de marketing, puede aplicarse a muchos otros ámbitos, incluida la música.
¿Qué aporta el storytelling a la industria musical?
Gracias a internet, hoy es posible darse a conocer como músico sin depender de la radio o la televisión. Plataformas como Facebook, YouTube o SoundCloud permiten mostrar el trabajo de cualquier artista.
Muchos músicos se han dado a conocer en estas plataformas y ahora realizan giras internacionales.
Sin embargo, subir vídeos o canciones no basta para destacar. El descubrimiento fortuito es posible, pero hay que trabajar para favorecerlo y diferenciarse con los recursos disponibles.
Ser artista ya no consiste únicamente en componer y actuar. También implica mantener el interés de los seguidores y ampliar la comunidad. La época en que bastaba con escribir música y subir al escenario ha quedado atrás: ahora hay que construir una identidad musical y artística, conectar con el público y mantener una presencia constante y cercana.
Aquí entra en juego el storytelling: ayuda a definir el universo del artista. Muchos músicos ya lo utilizan, a veces sin darse cuenta.
Crear un universo alrededor de un grupo o un artista
En este caso, el relato define el universo artístico y la identidad del proyecto.
-M-
Pensemos en –M–, el personaje a la vez real y ficticio creado por Matthieu Chedid. El músico compone y canta bajo ese nombre, dando vida a una figura que inventó desde cero.
–M– tiene un estilo musical y una identidad propios. Su peinado dibuja una eme, con un mechón sobre la frente y dos puntas laterales. El personaje nació con el álbum Le Baptême, que marcó el comienzo de su historia.
Gorillaz
Gorillaz creó un grupo imaginario basado en un universo de cómic. Damon Albarn y Jamie Hewlett dieron protagonismo a cuatro personajes ficticios, a los que después se sumaron otros.
Cuando apareció su primer EP, se desconocía la identidad de los creadores. Toda la comunicación giraba en torno a los personajes, lo que despertó la curiosidad de periodistas y seguidores por descubrir quién estaba detrás.
Su universo se desarrolla en videoclips, en su web, en cortometrajes de ficción y en entrevistas ficticias con los personajes.
Crear un universo alrededor de una obra
El storytelling también permite definir el mundo de un álbum o una gira, dos proyectos que a menudo van de la mano.
Interstella 5555 de Daft Punk
Uno de los ejemplos más claros y logrados es la película Interstella 5555, vinculada al álbum Discovery de Daft Punk.
El dúo ya contaba con una identidad singular y oculta, construida mediante disfraces y cascos que reforzaban su imagen y preservaban su anonimato.
Pero con Discovery, publicado en 2001, llevó el relato más lejos: creó una película de animación basada en todas las canciones del disco. Inspirada en el manga japonés, Interstella 5555 desarrolla un universo y la historia de varios personajes.
Discovery llegó antes de la expansión de internet, cuando había menos medios para captar la atención de un público amplio. Interstella 5555 fue una gran apuesta artística y de comunicación que dio enorme visibilidad a Daft Punk. Este fragmento es, en realidad, el videoclip de One More Time.
Happy de Pharrell Williams
Otro ejemplo conocido son los veinticuatro vídeos de una hora que, unidos, forman un día completo de felicidad al ritmo de Happy, de Pharrell Williams.
El mérito no reside tanto en la técnica como en la idea: nadie había planteado antes veinticuatro vídeos de una hora. Además, en ellos participan decenas de personas, acercando al público a su artista favorito. Algunas bailan de maravilla y otras… algo menos. 😉
Podríamos citar muchos otros artistas, como Michael Jackson y su cortometraje para Thriller. Hoy parece habitual, pero en 1983 era algo nuevo e inesperado. Aún se considera uno de los mejores videoclips de la historia.
El storytelling como herramienta de composición
El relato también puede orientar la composición de una canción o un álbum entero. Una obra siempre cuenta algo: ¿por qué no llevar más lejos esa intención al escribir?
The Wall de Pink Floyd
Es imposible no mencionar The Wall, de Pink Floyd, un álbum conceptual sobre el aislamiento y sus consecuencias psicológicas. La obra se prolongó en una película de 1982 cuyo universo sonoro se basa en el disco.
Hadestown de Anaïs Mitchell
Hadestown, de Anaïs Mitchell, recrea el mito de Orfeo y Eurídice en forma de ópera folk.
La artista se inspiró en la ópera del mismo nombre y la adaptó a un álbum con varios invitados. Cada uno interpreta un personaje: Justin Vernon, de Bon Iver, Ani DiFranco y Greg Brown encarnan a Orfeo, Perséfone y Hades.
The Suburbs de Arcade Fire
El tercer álbum de Arcade Fire, publicado en 2010, articula una historia de rebelión suburbana. Sus canciones evocan la vida cotidiana en las zonas residenciales norteamericanas y la juventud de varios integrantes. Según Les Inrocks, también parte de un antiguo guion de ciencia ficción que Win Butler y un amigo imaginaron, pero nunca llegaron a rodar.
[…] The Suburbs toma su título de una película de ciencia ficción nunca realizada, que Win y un amigo de la infancia querían escribir sobre una guerra entre dos barrios rivales. […] Al ver La Jetée, de Chris Marker, Butler recordó aquel guion abandonado. […] El disco se convierte así en la banda sonora de una película que probablemente nunca existirá.
The Suburbs se publicó además con ocho portadas diferentes, cada una con un coche situado en un paisaje suburbano norteamericano.
Explorar nuevos caminos
Los logros técnicos o narrativos también llaman la atención. Los medios y los seguidores buscan formatos innovadores y los comparten con sus públicos y amistades.
Una tecnología nueva puede dar visibilidad si se emplea en el momento adecuado y con dominio. No basta con conocerla: debe estar al servicio de una propuesta artística. Veamos dos ejemplos de vídeo en 360°.
Beck frente a Björk
Beck presentó una interpretación interactiva de Sound and Vision, de David Bowie, con 160 músicos distribuidos a su alrededor y filmados en 360°. Chris Milk dirigió en 2013 esta experiencia musical y visual, que exigió mucho ingenio. También el sonido se capturó en 360°, cuando las cámaras y los micrófonos actuales aún no existían.
Chris Milk ideó un sistema que combinaba varias cámaras para reconstruir ese entorno visual y sonoro. El logro era técnico y artístico. La versión interactiva ya no está disponible, pero se conserva un vídeo convencional cuyo sonido sigue evolucionando según los planos elegidos.
En cambio, el vídeo de Stonemilker que Björk publicó en 2015 resulta menos convincente para el autor de este artículo. Muestra a una o varias Björk cantando a cámara; pese a la resolución 4K, la imagen y algunas uniones entre tomas no alcanzan el mismo nivel. Se utiliza la técnica de 360°, pero la propuesta no parece suficientemente desarrollada.
Utilizar una cámara de 360° no basta, por sí solo, para convertir un proyecto en una obra artística.
Like A Rolling Stone de Bob Dylan
Casi cincuenta años después de Like a Rolling Stone, se creó un videoclip que no era convencional, sino una aplicación interactiva en la que el espectador cambiaba de canal como en su televisor. Dieciséis canales parodiaban programas estadounidenses y todos los personajes movían los labios al ritmo de la canción.
La narrativa transmedia
Es una evolución del storytelling: un universo de ficción se construye con fragmentos narrativos repartidos entre distintos soportes. Descubrirlos permite completar la historia y vivir una experiencia artística.
Desde la expansión de internet se utiliza para estrechar los vínculos entre artistas y comunidades. Sus posibilidades son enormes y admiten muchas ideas y tecnologías. Algunos ejemplos anteriores también podrían considerarse transmedia.
Los artistas han comprendido la importancia de su relación con el público. Las descargas ilegales alteraron las fuentes de ingresos de sellos y músicos, que tuvieron que buscar nuevas fórmulas. La presencia en radio y televisión no bastaba: había que implicar a los seguidores, animarlos a acudir a conciertos y favorecer que compartieran el proyecto.
La narrativa transmedia ha servido, y sigue sirviendo, para desarrollar propuestas musicales ambiciosas.
Ir más allá de un proyecto musical
Pese a las reservas sobre su vídeo de 360°, Björk domina los proyectos transmedia profundos y bien construidos.
Su universo singular se renueva con cada disco. En Biophilia, de 2011, vinculó la música a varios conceptos. Una aplicación móvil permite explorar el mundo de cada canción dentro de una galaxia estrellada.
También incluye una vertiente educativa: residencias artísticas con talleres infantiles sobre música, tecnología y ciencia.
A ello se suman conciertos que evolucionaron durante residencias de varias semanas en distintas ciudades. En cada lugar se reinventaba parte del espectáculo con nuevos instrumentos.
Biophilia es, por tanto, un auténtico proyecto transmedia: álbum, aplicación, iniciativa educativa y concierto cambiante se complementan en distintas plataformas.
Reforzar la relación con los seguidores
También permite ampliar una comunidad. Algunos artistas han creado juegos de realidad alternativa. Un ejemplo de gran repercusión fue el proyecto de Bing y Jay-Z para el lanzamiento de Decoded. Los seguidores debían encontrar 320 páginas escondidas en distintos lugares de Estados Unidos, con pistas publicadas progresivamente por el buscador y el artista: una búsqueda del tesoro a escala real.
La repercusión fue enorme: más de un millón de nuevos seguidores en el Facebook de Jay-Z, una autobiografía convertida en superventas y un aumento superior al 11 % de los usuarios de Bing.
Contar historias con pocos recursos
Los ejemplos anteriores pueden requerir presupuestos fuera del alcance de artistas pequeños. Pero hay ideas accesibles a cualquiera. Crear un universo alrededor de la música ya ayuda a diferenciarse; el personaje de –M–, en esencia, no exige una tecnología compleja.
También es posible ofrecer canciones exclusivas. Algunos músicos esconden contraseñas en sus discos físicos para acceder a secciones privadas de su web.
Otra opción es implicar a los seguidores en un videoclip. Hoy cualquiera puede grabar con un teléfono y enviar imágenes para el montaje.
Si no sabe cómo grabarse, puede inspirarse en The Get Out Clause.
El grupo actuó frente a cámaras de vigilancia de Manchester. Después solicitó las imágenes por los cauces previstos en la normativa de privacidad y las utilizó para montar un videoclip.
Una idea sencilla, inesperada y eficaz, que consiguió millones de visualizaciones y una gran visibilidad.
Imágenes y fuentes: Les Inrocks, Wikipedia, Cb Vinyl Record Art, Wired y webs de los artistas.
