Cómo adaptar la técnica de arco al violín eléctrico
A menudo se piensa que todas las técnicas del violín clásico se trasladan directamente al eléctrico y a estilos como el jazz o el swing. Algunas funcionan sin cambios, pero otras necesitan adaptarse. No pierden su utilidad: hay que ajustarlas al instrumento y al lenguaje musical que se desea interpretar.
Cuatro factores que influyen en la técnica de arco
Los violinistas se apoyan en los matices que produce el arco. Gracias a ellos, la cuerda frotada puede expresar una enorme variedad de emociones.
Estos matices nacen del contacto entre las cerdas y las cuerdas. La fuerza aplicada es importante, pero no es el único factor.
En este artículo nos centraremos en cuatro aspectos: el punto de contacto, la inclinación, la distribución del peso y la presión del arco. Hay otras variables, como la velocidad, que interactúan con ellos y modifican el sonido.
- La presión
La presión transmitida al arco influye en el carácter y la respuesta sonora.
- El punto de contacto
La zona de la cuerda por la que pasa el arco modifica el color del sonido.
- La inclinación
La inclinación determina cuántas cerdas entran en contacto con la cuerda y cambia la sensación de agarre y la respuesta.
- La distribución del peso
El arco no tiene la misma masa distribuida uniformemente en toda su longitud. Gran parte se concentra cerca de la nuez. Al tocar hacia la punta, el peso transmitido suele disminuir; cerca de la nuez, resulta más fácil obtener presencia. Mantener una intensidad constante durante toda la arcada requiere compensar esas diferencias.
Algunos arcos, especialmente de fibra de carbono, se diseñan para necesidades o estilos concretos. Su distribución de masa facilita un sonido más ligero o más potente y determinados gestos técnicos.
Quien no conoce el instrumento suele pensar que la mayor dificultad está en la mano izquierda. Sin embargo, controlar el brazo y la mano derechos, responsables del arco, plantea retos igualmente importantes.
Mantener un sonido uniforme en toda la longitud no es sencillo. Hay que ajustar continuamente el peso y la presión que transmite el cuerpo según la zona del arco utilizada.
Estos factores muestran la complejidad de aprender un instrumento como el violín o la viola. Cada intérprete debe reconocer el resultado de sus distintas combinaciones. A ello se suman muchas otras posibilidades, como las relacionadas con el rebote del arco.
Cómo influyen en el violín eléctrico
Antes, recordemos brevemente cómo producen y amplifican el sonido los instrumentos acústicos y eléctricos. Sus sistemas de proyección son diferentes.
El violín eléctrico transforma las vibraciones en una señal eléctrica mediante captadores y la envía a un equipo de amplificación. El acústico utiliza su caja de resonancia para proyectarlas de forma natural.
La presión, el punto de contacto, el peso y la inclinación siguen siendo relevantes en ambos, pero su efecto sobre el resultado no es idéntico.
La presión es un buen ejemplo. Aplicar la misma que en el violín clásico no garantiza la misma respuesta en el eléctrico. Es una de las primeras diferencias que debe explorar quien cambia de instrumento.
No hace falta presionar mucho para obtener más volumen en un violín eléctrico. Aunque una mayor fuerza modifica la vibración de la cuerda, el sistema de captación y la cadena de audio tienen sus propios límites de respuesta. Una presión excesiva puede empeorar el sonido o provocar saturación en determinadas configuraciones.
A menudo se obtiene lo contrario de lo que se buscaba: el sonido se vuelve nasal, apagado o menos libre. La cuerda y el captador dejan de responder de la manera deseada.
La presión sí permite crear matices, pero su respuesta depende del sistema: número de sensores, posición, calidad y sensibilidad, entre otros factores.
Por eso no todos los matices habituales del violín clásico se reproducen igual. Presionar más no siempre es la solución. Busque una presión moderada y suficiente para mantener el contacto: una ejecución más ligera puede aportar claridad.
En las demostraciones vemos a menudo que quienes prueban por primera vez un eléctrico presionan demasiado para crear matices y obtienen un sonido oscuro o ahogado.
Entonces escuchamos comentarios como «¡Los violines eléctricos suenan mal! No responden a la presión del arco», cuando en realidad es necesario conocer y adaptar el gesto a sus características.
¿Cómo adaptar la arcada?
Un guitarrista no toca necesariamente igual una guitarra acústica y una eléctrica, aunque ambas sean guitarras. Con los instrumentos de arco ocurre algo parecido.
Evite tocar con fuerza excesiva
Conviene insistir en esta idea: más presión no equivale automáticamente a mejor sonido.
El estilo también influye. Para encontrar el groove no siempre sirven los mismos gestos que para una frase clásica amplia. En un solo de jazz o swing hacen falta agilidad, capacidad de reacción y presencia. Los movimientos pequeños suelen facilitar la velocidad. Busque el equilibrio entre energía y soltura.
Observe a Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty o Didier Lockwood y compare sus arcadas con las de distintos intérpretes clásicos: encontrará diferencias muy reveladoras.
En el siguiente vídeo de Didier Lockwood y Stéphane Grappelli, fíjese en:
- La ligereza y la rapidez de ambas manos.
- La precisión y velocidad de cada gesto.
- Las arcadas cortas, con una presión adaptada a la frase y una participación importante de la muñeca. Aunque los planos no siempre lo muestren bien, intentar reproducir esa velocidad utilizando solo el brazo ayuda a comprender su función.
- El menor uso de arcadas largas e intensas en estos pasajes.
- La búsqueda de articulación y fluidez, sin recurrir constantemente a una presión fuerte.
Utilice menos longitud de arco
La música clásica utiliza tanto arcadas largas como cortas. En muchos pasajes de música actual, reducir la longitud ayuda a mantener un ritmo ágil. Un recorrido demasiado amplio puede dificultar la respuesta.
El brazo por sí solo no siempre ofrece la rapidez necesaria para ataques breves. Coordine movimientos cortos con la muñeca y los dedos, además del brazo. Así puede ganar ligereza y fluidez. La mano derecha tiene un papel decisivo en el inicio de cada nota.
Encuentre sus propios recursos de arco
Pruebe distintas combinaciones de détaché, martelé, staccato y otros golpes de arco para descubrir cuáles funcionan mejor con su instrumento y su estilo.
Los gestos basados en grandes cambios de presión pueden necesitar ajustes, porque la respuesta eléctrica no es idéntica a la acústica. También intervienen la velocidad y la dinámica.
Los golpes que aprovechan el rebote pueden funcionar muy bien. Por eso interesa elegir cuerdas cuya respuesta resulte cómoda para este tipo de articulación.
Otra posibilidad es el chop. Jonathan H. Warren y Tracy Silverman escribieron sobre su uso para aportar groove al instrumento. Silverman resume así su enfoque:
Se busca un sonido percusivo sin una altura definida, que cambia según la ligereza o la energía del arco: desde un roce casi silencioso hasta un golpe áspero. Hay muchas soluciones válidas. Algunas no encajarían en una interpretación clásica, pero son recursos esenciales para construir un groove.
Lo que en un contexto se considera ruido puede convertirse en un recurso expresivo en otro. A continuación encontrará un breve tutorial de Jonathan para explorar este gesto.
Adapte la técnica al resultado que busca
En muchas frases clásicas se busca una coordinación continua entre brazo, muñeca y dedos, con cambios de dirección discretos y un sonido homogéneo.
En jazz o rock puede interesar un ataque más marcado al comienzo de la nota. Para ello, conviene explorar otra organización del gesto.
Los dedos, al estar en contacto directo con el arco, pueden aportar una respuesta rápida. Su acción permite modificar el contacto con la cuerda e iniciar un ataque preciso.
En muchos recursos de jazz, el gesto puede nacer en los dedos e integrarse después con la muñeca y el brazo. No es una regla universal, sino una forma de obtener una articulación diferente.
La lógica responde al objetivo sonoro: a veces se busca continuidad y discreción; otras, un ataque vivo y sorprendente.
Jean-Luc Ponty explicó a la revista The Strad que su sólida formación clásica le ayudó a entrar en el jazz moderno.
Ponty siguió su oído. Según explicó, la técnica clásica, especialmente en la mano izquierda, le permitió abordar cualquier música que le interesara sin que la complejidad fuera un obstáculo.
Esa base fue útil, pero su evolución también exigió explorar nuevos recursos con la mano derecha.
Así describió algunos de los elementos que le ayudaron:
Para mí era importante desarrollar un sonido pleno e intenso. Mi profesor del Conservatorio de París, Gabriel Bouillon, tenía un enfoque distinto al de otros profesores franceses: se acercaba más a la técnica rusa y nos enseñaba a obtener un sonido poderoso con una nota larga. La presión cerca de la nuez y la forma de sujetar el arco me parecían un enfoque ideal para el jazz moderno.
Esa formación le ayudó en la transición. También explicó que comprender todos los matices del arco llevó tiempo y que su estancia en Estados Unidos le proporcionó nuevas ideas.
Al principio quizá era demasiado regular y rígido, después de tocar tanto Bach y repertorio barroco. Cuando Dizzy Gillespie me escuchó por primera vez en Estados Unidos […], me dijo que tocaba muy bien, pero que me ayudaría tocar country. Como era tan bromista, pensé que era otra broma, porque ese estilo no me interesaba. Al mudarme en 1973 y ver al violinista Doug Kershaw comprendí lo que quería decir.
En este vídeo de 1968 aparecen Jean-Luc Ponty, Dizzy Gillespie y Jimmy Smith en el Olympia de París. Compare sus gestos de arco con los de la grabación de 2017 junto a Biréli Lagrène y Kyle Eastwood: podrá apreciar cómo evolucionó su forma de tocar. 😉
Controle la presión en los cambios de dirección
Como hemos visto, el peso del arco no se transmite del mismo modo en toda su longitud. Adapte la presión a la zona utilizada y preste especial atención a los cambios de dirección.
Sin la proyección de una caja de resonancia, puede percibirse de otra forma la continuidad entre arcadas. Un poco de delay puede ayudar a enlazar el sonido durante esos instantes, si encaja con el resultado buscado.
Mantenga el cuerpo relajado y flexible. Para tocar swing, jazz, jazz manouche o rock con soltura, no dependa únicamente del brazo. La coordinación de mano, muñeca y dedos permite responder con rapidez y reducir la amplitud de los movimientos.
Reduzca el ruido del arco
Los cambios poco controlados pueden hacer más perceptible el ruido de fricción. La captación eléctrica puede resaltar un roce o zumbido que se mezcla con la señal musical.
Al probar un eléctrico por primera vez, muchos violinistas se sorprenden por la claridad con que se oye ese contacto. En un concierto puede quedar integrado en el conjunto, pero al practicar en casa o grabar en el estudio resulta más evidente.
Revise la presión de la mano derecha: reducir un exceso puede disminuir el ruido y mejorar la respuesta.
La ecualización también ayuda. Analice dónde se concentra el ruido y atenúe solo lo necesario. Un filtro pasa-altos puede reducir componentes graves, siempre que respete las notas útiles del instrumento. Otros ruidos aparecen en frecuencias más altas y dependen de la articulación. Combine ajustes de EQ con una técnica de contacto adecuada.
Puede hacerlo con un multiefectos o un previo que ofrezca una ecualización apropiada. Los controles genéricos de graves, medios y agudos de algunos equipos para guitarra no siempre permiten actuar con precisión sobre el violín. Un ajuste demasiado amplio puede eliminar frecuencias musicales junto al ruido.
Tratar el ruido al principio de la cadena suele facilitar el trabajo, antes de que otros efectos lo hagan más evidente.
Observe cómo tocan los grandes intérpretes 😉
Una formación clásica sólida no proporciona automáticamente todos los recursos del jazz, el rock u otros estilos actuales.
Estudiar a intérpretes experimentados ofrece pistas valiosas para seguir avanzando. Analice vídeos que permitan relacionar cada movimiento con su sonido. Lea también entrevistas: las explicaciones de Ponty sobre su evolución pueden orientar su propio trabajo.
Ponty señala además que no se inspiró solo en violinistas de jazz, sino también en trompetistas. Escuchar el saxofón, la trompeta u otros instrumentos ayuda a ampliar la imaginación y los recursos. No se trata de imitarlos literalmente, sino de explorar cómo acercarse a su fraseo con el violín.
En nuestros dos primeros pódcast String Talks, Jonathan H. Warren explicó su interés por el sonido del saxofón y Matt Bell destacó la influencia de grandes guitarristas de rock.
Ponty también insiste en que no se limita a un único estilo. Descubrir el country le ayudó a progresar. No descarte de entrada el swing, el bluegrass, el funk o el jazz manouche: pueden enseñarle mucho. Aquí puede ver a Doug Kershaw, el violinista mencionado por Ponty, y comprender la energía a la que se refería Gillespie. 🙂
Imágenes y fuentes: The Strad, Jean-Luc Ponty, Eduardo Bortolotti, Jonathan H. Warren y Tracy Silverman
