A veces es difícil para un violinista encontrar su lugar en un grupo de «músicas actuales». ¡Tranquilo, esto es solo una cuestión de audacia y práctica, así que vamos a por ello!
Abordaremos los diferentes aspectos que determinan tu lugar en un grupo. Esto incluye tanto las cuestiones técnicas, tu ubicación en el escenario, tus intervenciones musicales o incluso tu postura.
Ser independiente y sociable
Conocer tu equipo
Eres músico, violinista, cantante, etc. Y, a menos que tu grupo tenga sus propios técnicos de escenario, ¡debes ser capaz de instalar, conectar y ajustar tu equipo tú solo!
Sin estos conocimientos, no podrás manejarte. ¡No puedes depender del guitarrista, el ingeniero de sonido o el bajista para instalar tu equipo!
Hemos escrito decenas de artículos sobre este tema, aquí tienes algunos enlaces:
Conocer tu equipo es la base de tus conciertos. Debes saber ajustar y configurar cada herramienta para que tu actuación salga bien el día del evento.
También debes ser capaz de reaccionar rápidamente ante cualquier dificultad. Si tu violín se desafina entre dos canciones, saca rápidamente tu afinador para volver a afinarlo, mientras silencias tu sonido para que el público no te escuche durante el proceso. Si de repente aparecen ruidos en tu mezcla, analiza el problema para intentar identificar la causa y haz todo lo posible por resolverlo.
Para comunicarte correctamente con los demás músicos y, sobre todo, con el ingeniero de sonido, también es importante conocer el vocabulario técnico del escenario. No es necesario saber exactamente para qué sirve una caja DI, pero cuando te pregunten si necesitas una, ¡debes saber de qué están hablando! Otro ejemplo: debes saber si tu sonido saldrá en mono o en estéreo según tu configuración.
Tu independencia no solo te permitirá crecer, sino que también te sentirás más cómodo si eres capaz de enfrentar estos problemas por tu cuenta.
Comunicarse, compartir, divertirse
Si no te llevas bien con los demás miembros del grupo, tocar pronto se convertirá en una tarea pesada y, rápidamente, perderás las ganas de participar. La buena relación es esencial para tu bienestar y para la imagen que proyectarás en el escenario. Si no sois capaces de comunicaros entre vosotros, la falta de cohesión será rápidamente percibida por el público.
Este aspecto también tiene que ver con el placer que sientes al tocar. Si mañana ya no quieres tocar el repertorio del grupo, sientes que llevas años haciendo lo mismo, no logras renovarte, etc., ¡quizás sea porque ya has agotado las posibilidades con este grupo y ha llegado el momento de cambiar de formación!
Tocar música no debe convertirse en un suplicio, debes divertirte y disfrutar en el escenario.
Encontrar tu lugar en la mezcla
Trabajar el sonido de tu violín
Antes de encontrar tu lugar en la mezcla del grupo, debes conseguir un sonido de calidad que te represente. Este primer paso implica ajustar tu violín, tu amplificador, tus pedales de efectos y otros dispositivos.
Ya hemos tratado estos temas en varios artículos. Aquí tienes algunos enlaces que te ayudarán a perfeccionar tus ajustes por tu cuenta.
Trabajar con el ingeniero de sonido en el lugar de tu violín en la mezcla general
Cuando un ingeniero de sonido prepara la mezcla general de un concierto, se encarga de encontrar los mejores ajustes para que cada instrumento tenga su lugar en la mezcla general (el sonido que se enviará al público). Los instrumentos no deben tapar la voz, los solos de violín deben ser audibles, el ritmo del bajo debe estar presente, etc.
Debe asegurarse de que la mezcla general sea limpia, audible, sin acoples y coherente con el estilo del grupo. Una mezcla depende de cada grupo y de las personas e instrumentos que lo componen. ¡Los ajustes son completamente opuestos entre un concierto de metal y uno de country!
En el caso del violín, el ingeniero se asegurará de que no interfiera con la voz. Las frecuencias del violín coinciden parcialmente con las de la voz. A veces, el ingeniero las limita para evitar que el violín tape la voz del cantante. Además, debe verificar que el violín no interfiera con las frecuencias de otro instrumento y viceversa.
Encontrar tu lugar musicalmente: el rol de solista y acompañante
El violín es un instrumento que puede desempeñar dos roles: el de solista, como en Cotton Eye Joe de Rednex, y el de instrumento de acompañamiento, como en J’t’emmène au vent de Louise Attaque (excepto en el minuto 1, donde se convierte en solista).
Que el único (y probablemente único) violinista francés que nunca haya recibido una petición como «Por favor, tócame J’t’emmène au vent» levante la mano. 🙂
Volvamos a las bases de estos dos roles, que no implican la misma forma de tocar.
Un solista es un intérprete que ejecuta solo una parte musical en un conjunto o de manera aislada.
El solista se opone, por tanto, al músico que ejecuta colectivamente una parte musical. En este caso, el músico acompaña al solista, de ahí su rol de instrumento de acompañamiento.
Sin embargo, un violinista a veces ocupa ambos roles en una misma canción. Puede realizar un solo de unos segundos en medio de la pieza y, el resto del tiempo, desempeñar el rol de instrumento de acompañamiento.
¿Cómo posicionarte musicalmente como violinista solista?
Hay dos posibilidades: una pieza instrumental o una pieza cantada. En el caso de una pieza instrumental, tocarás la o las melodías principales. En una pieza cantada, tomarás el lugar de la voz en ciertos momentos de la canción. Esto suele ocurrir en la introducción, en un solo instrumental y, a veces, durante el estribillo o el puente. Debes ser muy presente en los solos. También puedes intercalar pequeños pasajes entre las frases del cantante para reforzar lo que canta.
En realidad, es exactamente el mismo rol que un guitarrista solista, ¡solo que tú tocas el violín! Debes ser impactante y claro desde tu primera nota para tomar el lugar de la voz cuando llegue tu momento. El violinista solista debe ser capaz de tocar melodías en armonía con los acordes de la canción. Muy a menudo, los violinistas recurren a su técnica de improvisación. Si no te sientes cómodo improvisando, es preferible que prepares tu intervención y te mantengas en ella. Un pequeño ejemplo con este solo de violín realizado por Volt W. Jingjit en una versión de I Shot the Sheriff de Bob Marley.
Su actitud es interesante de analizar. Como lo conocemos muy bien, podemos confirmar que el solo está completamente improvisado y que nunca es el mismo cada vez que lo toca. Volt es un violinista que improvisa siempre que tiene la oportunidad. Se puede ver que al principio sigue la melodía y luego inserta pasajes improvisados. Poco a poco, se deja llevar por la música y el ritmo, y parece tocar solo en medio de los demás. Observa también el momento en que, con una mirada y un movimiento de cabeza, informa a sus compañeros que va a dejar su solo para volver al curso normal de la canción. Esto demuestra que los músicos a su alrededor no tienen idea de cuándo va a devolver el protagonismo a la cantante.
Es en este rol de solista donde puedes usar efectos, ya sean bastante clásicos o muy originales, como la distorsión o el wah-wah. El interés está en variar tu interpretación y atraer la atención del público hacia tu actuación.
Cuidado, ser violinista solista no significa que lo serás durante toda una canción. ¡Debes respetar la posición del cantante! Muy a menudo, te conviertes en solista por unos segundos en una pieza, antes de devolver el protagonismo al cantante. También es importante limitarte en la apropiación del canto, no debes hacer más que el cantante.
Como solista, debes destacar de manera evidente, ¡así que no te escondas! No dudes en ocupar el espacio moviéndote si es posible.
Por el contrario, cuando la voz está presente o retoma su lugar en la canción, no debes interferir con ella. Aprende a respetar tu momento de presencia. Cuando termine, hazte discreto y espera tu turno.
¿Cómo posicionarte musicalmente como instrumento de acompañamiento?
La mayor parte del tiempo, los instrumentos de acompañamiento tocan juntos y rodean musicalmente al solista, que muy a menudo es el cantante.
Como instrumento de acompañamiento, el violinista desempeña el mismo rol que una guitarra o un piano, es decir, crear la armonía sobre la que se apoyará la voz.
Para ello, el violinista puede recurrir a varias técnicas. Si desempeñas este rol de acompañamiento como único violinista en el escenario, puedes:
- Tocar cuerdas dobles o triples
- Realizar rítmicas en pizzicato en varias cuerdas, como si fuera una guitarra
- Usar un armonizador para simular varios instrumentos
Deberás ser preciso rítmica y armónicamente, estar conectado con la sección rítmica (bajo y batería) mientras te pones al servicio de la voz.
En cuanto a la ubicación en el escenario, si eres acompañante, acércate a la sección rítmica (batería y bajo) para estar en perfecta sintonía con ella.
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Existir en el escenario
Puedes ser introvertido en la vida cotidiana, pero en el escenario tendrás que dejar eso a un lado y mostrarte. Si eres alguien tímido y reservado, no te preocupes, no eres ni el primero ni el último. Tendrás que trabajar tu presencia escénica, sin forzarte a hacer cosas que no quieras. ¡Es un equilibrio que debes encontrar!
No es raro ver a un músico muy tímido en la vida cotidiana, pero completamente desinhibido en el escenario. En el escenario puedes ser alguien que no eres en tu día a día. Lo importante es lanzarte, probar diferentes intervenciones al menos una vez para saber si te convienen o no.
Para existir en el escenario, prueba diferentes posturas y gestos realizados con tu instrumento y/o partes de tu cuerpo.
Sonreír
Empecemos por la sonrisa. Puede parecer obvio, pero sonreír es el primer punto a poner en práctica. Algunos músicos están tan estresados o concentrados en su interpretación que olvidan sonreír. ¡Si pones mala cara mientras tocas, ningún espectador te mirará!
No podemos enseñarte a sonreír, pero si estás cómodo y disfrutas tocando en el escenario, esto vendrá de forma natural.
La sonrisa también es importante para las fotos y videos que se graben durante un concierto. Si no sonríes, no destacarás en el video del concierto y las fotos serán inutilizables.
Segundo punto: ¡la mirada!
En la música clásica, nunca buscarás establecer contacto visual con un espectador. Eso no encaja en absoluto con el universo clásico. Sin embargo, en las músicas actuales, tienes todo el interés en usar el intercambio de miradas con el público, los otros músicos e incluso las cámaras. Todos conocemos este tipo de intervención. ¡Sí, recuerda ese guiño a la cámara tras un solo memorable!
Mirar al público te permitirá establecer un contacto con él. Se sentirá involucrado en tus acciones y tendrá la impresión de participar en tu actuación. Si te sientes incómodo mirando a alguien a los ojos, mírale a la altura de la frente. Ya no te incomodará su mirada, y la persona sentirá que la estás mirando directamente a los ojos. ¡Este truco funciona siempre!
En escenarios grandes con juegos de luces importantes, probablemente no verás al público, o solo las primeras filas de asientos o las personas del foso. ¡No pasa nada! Puedes mirar un poco más lejos imaginando que hay alguien allí. De todos modos, hay alguien allí (¡a menos que la sala esté vacía!) y ellos no saben que no puedes verlos, así que míralos. Quizás con menos insistencia, pero piensa realmente en hacer participar a esas personas.
Con los otros músicos, seguramente ya usas la mirada para sincronizarte con el ritmo del batería, para acordar con el cantante cuándo entra tu solo, etc.
Con las cámaras, esto te asegurará, pero de verdad, estar en el video del concierto. A cualquier director o editor de video le encanta este tipo de intervenciones. Porque no solo tocas tu instrumento, participas en el espectáculo de las cámaras, entras en contacto con ellas al mirarlas, y das vida a tu interpretación a través de este intercambio. Cuidado, no abuses de la mirada a la cámara. Usarla demasiado puede volverse pesado y sin interés. No es necesario hacerlo en cada canción, el director no lo usará más de 2 o 3 veces por concierto. Y, si es posible, lo hará con diferentes músicos por una cuestión de equidad.
Con un fotógrafo, puedes adoptar una pose particular, pero tampoco abuses. ¡Las fotos más bonitas suelen ser aquellas en las que el sujeto olvidó que el fotógrafo estaba allí!
La gestualidad de tu cuerpo
No puedes quedarte recto como una estatua y no moverte. Tocas música pop, country, rock u otras. No es música clásica. Estas músicas están pensadas para hacer bailar. Entonces, no puedes quedarte inmóvil.
¡No es necesario que estés moviéndote todo el concierto! Pero debes mostrar que sientes físicamente lo que tocas, ya sea con tu rostro o cualquier otra parte de tu cuerpo. Un pequeño ejemplo con la gestualidad tan personal de Matt Bell cuando toca el violín eléctrico.
Esto es lo que se llama comunicación no verbal. Corresponde a la expresión del rostro y/o a las posturas del cuerpo que adoptamos en una situación particular.
También intercambia con los otros músicos del grupo. Hablamos antes de los intercambios de miradas, pero también puedes jugar, bailar, reír con ellos. ¡Todo intercambio, ya sea visual o físico, es positivo! Te hace humano y muestra que hay una conexión entre vosotros. Los movimientos pueden ser «preparados» o espontáneos. En cualquier caso, dan vida a tu actuación.
Sin embargo, sé coherente con la canción que se está tocando y en sintonía con los otros músicos. Parecerás ridículo si no te mueves y ellos están inmersos en el ritmo, pero también lo parecerás si estás saltando por todos lados mientras ellos están completamente relajados.
Ocupar el espacio
Si tu instrumento no te limita, muévete y ocupa el espacio. Durante un solo de violín, no te quedes al fondo junto al batería, avanza hacia el público para que vean tu actuación. Siempre debes tener un cable lo suficientemente largo para este tipo de movimientos. ¡El cable debe estar desenrollado y listo para seguirte! Lo más sencillo es usar un sistema inalámbrico para instrumentos musicales.
Durante la prueba de sonido, verifica la longitud de cable necesaria o el alcance aceptable de tu sistema de señal inalámbrica. También asegúrate de que, al moverte, sigues oyéndote. Podrías salir del rango de tu monitor de retorno, así que otro monitor (el del cantante u otro músico) debe ayudarte a escucharte. Obviamente, no tendrás este problema si usas monitores in-ear.
Como guitarrista o violinista, tienes la suerte de poder moverte con tu instrumento en la mano, ¡aprovecha esta ventaja para destacar! Y recuerda que el día que el batería pueda moverse con su batería, tomará tu lugar, porque en el fondo, y desde siempre, sueña con poder hacerlo.
Al moverte, puedes acompañar al cantante, participar en una secuencia con otro músico, colocarte en el frente del escenario cuando tomes el protagonismo, etc. Una vez que termine la canción o el solo, ¡no olvides volver a tu lugar!
En el escenario, cada músico tiene su espacio. Sus dimensiones dependen de las necesidades de cada músico (monitor de retorno, pedales de efectos, espacio necesario para tocar el instrumento, número de instrumentos utilizados, etc.). A veces, los escenarios son pequeños y será difícil moverse. En este caso, debes encontrar el mejor compromiso para que cada músico esté cómodo. Del mismo modo, será necesario adaptar tus movimientos y desplazamientos para no molestar al músico de al lado.
Por el contrario, a veces los escenarios son demasiado grandes para unas pocas personas y este gran espacio parece vacío. Intenta redefinir el espacio escénico de este gran escenario, reduciéndolo con vuestros posicionamientos. No os coloquéis a 5 metros unos de otros. Si estáis más cerca unos de otros, y el resto del espacio está completamente vacío, los espectadores sabrán que vuestro escenario está donde vosotros estáis. Olvidarán las zonas no ocupadas del escenario y centrarán su atención en vosotros.
